スティーブ ライヒ。 Steve Reich の音楽、作曲方法、考え方について

スティーブ ライヒとは

1993年には、「21世紀のオペラはこうあるべき」()と評された『The Cave -洞窟-』を発表した。 彼から最も信頼される日本人音楽家こそ、加藤訓子である。 1961年から1963年までは、のにある、ミルズカレッジでとの元で学び、修士号を取得した。 手拍子2のモチーフの変化は、基本モチーフを半拍づつスライドさせたリズムとなっている。 「実は、ちょっとした問題があるんですが。 ミニマリズムの祝福だ。 この曲は演奏されたことはないが、録音された音や声を、音程も音質も変えずに、音を元の長さの数倍になるまで遅く再生するアイディアは、『フォー・オルガンズ』でも採用されている。

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18人の音楽家のための音楽

そこで観念して〈私が全部やりました……〉って返事をしたら〈それは凄い! 1つの和音から次の和音への切り替わりは全て第1バスクラリネット奏者の視覚的合図によって行われる。 クラシックは過去の天才が創ったものではなく、今を生きている自分たちが新しく創造し続けるものとして、つねに先駆的、語弊を怖れずに言えば実験的であり続けました。 声楽や口笛のパートのみならず、(フルート属の)ピッコロまで加藤自身が一年がかりで練習して収録したというから驚かされる。 今回はスティーブ・ライヒ 作曲「クラッピングミュージック」について作品構造の検討し、さらにその構造を利用した音楽づくりを一例を示した。 それくらいに心地よいのが、このおなじ音のくり返しのミニマルミュージックなのですから。 ホッとしました(笑)」 許可は下りたが、収録準備は大きな苦労を伴うものだった。

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11composers of contemporary music

絵画でつかわれる用語と同じだね、「印象主義」と言えばドビュッシー、ラヴェル、サティ、おそらくカークランドもね。 (持ち替え)2• この種の用語は、学者やジャーナーリストたちが作り出した言葉なんだよね。 テンポは最初から最後まで一定である(四分音符=204~210)。 バルトークはできない、と言った。 すこし時間をおいてまた「ド」の音をひとつ、ポロンと鳴らします。

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スティーブ ライヒとは

あの Radioheadのジョニーにもギターでカバーされ話題になりました。 あなたたちの演奏は素晴らしく、わたしのところのアンサンブルより優れた部分がありましたよ」 このことがあって、わたしはブタペストに行くことになって、フンガロトン(ハンガリーのレーベル)で彼らは録音をしたんですよ。 BD:邪魔されたくないと??? SR:面倒というのは実際、想像以上のものだよ。 ライヒとコロットは、、での、そしてより現代的な出来事、特に羊を取り上げたオペラ『スリー・テイルズ』(2002年)でも再度コラボレーションを行っている。 としては、鍵盤を含むが多いが、弦、、音、録音テープなど、様々なものが使われている。 彼らが音楽を学んだのは 1950年代後半であるが、気がついてみたらすでにジョン・ケージが「音楽」という概念を白紙にもどしてしまっていた。 また、ライヒは1973年から1974年にかけてでのの研究も行った。

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スティーブ・ライヒとは (スティーブライヒとは) [単語記事]

1970年代半ばにもあった。 しかし、楽譜はのみでが作成されていなかったため、彼のアンサンブル以外にこの曲を演奏できる団体は無かった。 曲は3部に分かれており、前のアメリカ、第二次大戦中のでの、戦後のアメリカにおける汽車の旅が、汽笛の音を散りばめながら描かれている。 「うん、かの地はここから1万キロも離れている。 そこでもう少し容易に演奏ができるようし、また声やパーカッションとの組合せにも可能となるように、「クラッピングミュージック」の構造を借用し、下記の楽譜を作成した。 彼らの楽器に合わせたオーケストレーションは精緻で、ユーモアに満ち、機知に富んで、美しくまとまっていて、トロンボーンの軽いアクセントが絶妙に入っていた。 1993年には、ライヒは妻で映像作家でもあると『ザ・ケイヴ』においてコラボレーションを行う。

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Steve Reich の音楽、作曲方法、考え方について

演奏はコリン・カリー・グループ。 14歳のときバロック以前と20世紀の楽曲に触れたことで、音楽を熱心に学ぶようになった。 さて、本公演のメンバーは、あのライヒをもって「我々でもこんなに完璧に演奏ができない!」と言わしめたコリン・カリー・グループがサポートする形だ。 ライヒの音楽の影響 [ ] やのアーティストたちにも多大な影響を与えており、ライヒ自身もテクノに興味があることをインタビューの中で述べている。 音楽の耐久性という点で、シンセサイザーで演奏しうる素材、バックグランドミュージックとして流せる素材、古楽器でも現代の楽器でも翻訳可能な素材というのは、音楽の偉大さの究極の証明になると思う。

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スティーヴ・ライヒ

この発想で一番の課題は 『増大』です。 各セクションは「たけやぶやけた」式のアーチ型構造、もしくは次のセクションへの推移となっている。 『砂漠の音楽』みたいなオーケストラ曲を録音するには、最高の手法だと気づいたんだな! あの曲では50個くらいのマイクを使ったね。 今日は読者のみなさんにミニマリズムな世界観を味わっていただくため、おすすめの有名曲をいくつか紹介したいと思います。 『 ()』 - Cello Counterpoint(2003年)• 【Piano Phase】 上はその中の一部。 ようするに。

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